»Auf getrenntesten Bergen« von Franca Behrmann ist eine künstlerische Auseinandersetzung mit dem Tod der eigenen Mutter. Ausgangspunkt der umfangreichen Werkgruppe, bestehend aus performativer, inszenierter Fotografie und Archivmaterial, ist ein Roadtrip nach Irland mit einer Freundin und dem Vater. In der Arbeit verbindet Behrmann Inszenierungen mit dem familiären Bildarchiv und entwickelt daraus eine eigenwillige, persönliche Narration über Familie und Näheverhältnisse. Die fotografische Erzählung, die durchaus als psychologische Bewältigung gelesen werden darf, verknüpft Vergangenes mit Zukünftigem sowie Faktisches mit Fantastischem. Der Titel der Arbeit verweist auf Friedrich Hölderlins Hymne Patmos, in der Nähe und Distanz nicht als Gegensätze erscheinen, sondern in einem paradoxen Verhältnis zueinander stehen: »Die Liebsten nahe wohnen […] auf getrenntesten Bergen«.

⁎

Franca Behrmann, *1998 in Lemgo, (DE); lebt und arbeitet in Braunschweig (DE). Sie studierte Freie Kunst an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig bei Norbert Bisky und Hartmut Neumann mit dem Schwerpunkt Malerei. 2024 schloss sie ihr Studium als Meisterschülerin von Natalie Czech in der Fachklasse für Fotografie, Medien und Poetik ab. Ihre Arbeiten wurden unter anderem im Brandenburgischen Kunstverein Potsdam sowie im Kunstverein Braunschweig gezeigt. Ab Oktober 2025 wird sie als Artist in Residence im Künstlerhaus Otte 1 in Eckernförde zu Gast sein.

Während Behrmann Erinnerungen zusammensetzt, zerlegt Alime Ertürk sie. Ertürk greift das Familienfotoalbum als fotografisches Phänomen auf, das sich bereits im frühen 19. Jahrhundert herausbildet und bis zur Massentauglichkeit der digitalen Fotografie eine prägende Form darstellt. Auch wenn einzelne Alben Außenstehenden oft belanglos erscheinen, ist die dahinterstehende kulturelle Praxis, in der soziale und kulturelle Muster über Motive und visuelle Codes aufkommen, die je nach Milieu variieren können, umso spannender. In ihrer Collagenarbeit »o.T. (Fall’ nicht auf!)« fragmentiert die Künstlerin ihre Familienfotos: Gesichter verschwinden, Hände verweben sich. Die entstandenen Leerstellen sind kein Verlust, sondern ein Anreiz, über soziale Codes nachzudenken. Zudem erschweren es die Leerstellen, persönliche Geschichten, kulturelle Hinweise oder äußere Merkmale sofort zu erkennen. Durch den bewussten Bruch mit dem Erwartbaren und der Störung unserer Lesart von Bildern spielt die Arbeit mit dem Phänomen des «Othering» – jenem Prozess, durch den Menschen als fremd markiert werden, oft durch scheinbar harmlose Details. Es wird klar: «Anderssein» ist kein Fakt, sondern ein Blick, der Unterschiede erschafft. Gleichzeitig thematisiert die Arbeit den «Passing-Mechanismus», den Versuch, sich unsichtbar oder möglichst unauffällig an Normen anzupassen.

⁎

Alime Ertürk, *1989 in Frankfurt am Main (DE); lebt und arbeitet ebenda. Nach ihrem Studium der Kunst und Politik in Frankfurt studierte sie Visuelle Kommunikation an der HBK Braunschweig und Kunst - Medien - Kulturelle Bildung an der Goethe-Universität Frankfurt. Ihre Arbeiten wurden unter anderem in Braunschweig, Rüsselsheim und auf Festivals in Amsterdam (NL) und Chaumont (FR) gezeigt.

Der Animationskurzfilm «10:00 or 100C» von Laura Nan erzählt die Geschichte eines nicht enden wollenden Sleepovers. Angelehnt an ein Kammerspiel wird die Dynamik zwischen Empfangenden und Besuchenden ins Absurde geführt, wodurch ein Spannungsverhältnis zwischen gesellschaftlicher Idealvorstellung, Alltagsrealität und persönlichen Bedürfnissen entsteht: Die Praxis der Gastfreundschaft und die Geste der Fürsorge treffen auf die Vorstellung vom Zuhause als individuellen Rückzugsort und den Wunsch nach einem persönlichen Safe Space. Der in 3D animierte Film erinnert an Stop-Motion und schafft durch die Gestaltung der Figuren, die Menschen nur entfernt ähneln, eine visuelle Distanz, die paradoxerweise umso deutlicher erkennen lässt, wie nahegehend und zutiefst menschlich die dargestellte Situation ist. Dabei geht die Erzählung nicht nur auf die inneren Konflikte der Figuren ein, sondern lässt gekonnt narrative Leerstellen entstehen, die von den Betrachtenden selbst gefüllt werden müssen. Ob der Gast mit Vereinsamung zu kämpfen hat, wohnungslos ist oder tatsächlich versucht, magischen Reis als Dank zu kochen, bleibt der Fantasie des Publikums überlassen.

⁎

Laura Nan, *2000 in Sibiu (RO); lebt und arbeitet in Zürich (CH). Sie hat ihr Bachelor- und Masterstudium im Department Fine Arts der Zürcher Hochschule der Künste abgeschlossen, mit Animation als Hauptmedium. Ihre Arbeiten wurden im Rahmen verschiedener Kunstausstellungen und Filmfestivals innerhalb und außerhalb der Schweiz gezeigt.

Mit seiner Soundinstallation entwirft Max Prange ein Zeitdokument: Er spricht mit jungen queeren Männern über ihre Einsamkeit sowie das damit verbundene Schamgefühl und übersetzt die Interviewaufnahmen zu einer Gesprächskomposition. Das Holzobjekt, aus dem die Stimmen ertönen, weckt unterschiedliche Assoziationen. Gleichgültig, ob hier die kathartische Wirkung des Sprechens als gemeinschaftliche Praxis herausgelesen, oder die Stimmen als erkenntnisbringende Stimme des Unbewussten interpretiert werden, die Installation lädt dazu ein, sich über die Schwelle zu lehnen und in die Realität anderer einzutauchen – Manchmal ist das Zuhören die erste Form der Gemeinschaft und Fürsorge. Der Titel »Le Stade du Miroir« ist ein eindeutiger Verweis auf die psychoanalytische Theorie von Jacques Lacan. Das von Lacan beschriebene Spiegelstadium bezeichnet den Moment, in dem sich ein Säugling erstmals als eigenständiges, zusammenhängendes Individuum erkennt. Interessant und oft übersehen ist dabei, dass es für diese Erkenntnis einen äußeren Hinweis braucht: Die Mutter sagt etwa: «Schau, das da im Spiegel, das bist du!». Diese Rolle übernimmt hier der Künstler, einerseits als Interviewer, andererseits über das Kunstwerk selbst, das stellvertretend spricht.

⁎

Max Prange, *2000 in Kiel (DE); studierte bis Februar 2025 Kunst und Geschichte auf Lehramt an der Muthesius Kunsthochschule, seit 2024 gefördert vom Cusanuswerk. Aktuell arbeitet er als kuratorische Assistenz für das NUKLEUS Kiel Projekt des Kurators Sven Christian Schuch und plant, ab Oktober sein Studium an der Universität der Künste in Berlin fortzusetzen. In den letzten Monaten wurden seine Arbeiten im Atelierhaus im Anscharpark, Kiel, in der St. Johannes Kirche, Lychen, und im Studio 36, Rostock, gezeigt.

Die Zeichnungen und Malereien von Aura Roig zeichnen sich durch das Zusammenkommen von autobiografischen Verweisen und einer politischen, queer-feministischen Haltung aus. Roig nutzt oft die Personifikationen von Gegenständen, Pflanzen, Körperteilen oder Organen als Mittel der Figuration und Narration, wodurch Geschlechtszuschreibungen ausgeklammert werden und die Emotionalität sowie Verletzlichkeit eines Einzelnen durch die Mimik in den Vordergrund rücken. Wiederkehrende Motive sind die Auseinandersetzung mit den Körpern von Frauen* und nichtkonformen Geschlechtsidentitäten im patriarchalen System, aber auch Rollenzuschreibungen, beispielsweise in Bezug auf Sorgearbeit. Roigs Bilder sind jedoch weit entfernt von plakativen politischen Pamphleten. Sie begegnen einer gesamtgesellschaftlichen, systemischen Situation durch die Augen eines Individuums mit Humor, Groteske und radikaler Zärtlichkeit.

⁎

Aura Roig 1994 Tortosa (ES); lebt und arbeitet in Berlin und hat einen Abschluss in Bildender Kunst von der Universitat de Barcelona. Zu den jüngsten Ausstellungen gehören: StadtWERKSTATT Friedrichshain-Kreuzberg (2025), Mèdol Centre d’Arts Contemporànies (2024), Centre de Lectura de Reus (2024), 101 Projectspace (2024), Centre d’Art Lo Pati (2023), Culterim Gallery (2023) und Museu de Tortosa (2022). Derzeit ist Roig Teil des Goldrausch Künstlerinnenprojekts 2025.

Die Vorlage für Xiaoyi Zhangs Serie »Screaming« sind Filmstills aus Horrorfilmen. Die Auswahl berücksichtigt Filme seit den 1960er-Jahren bis heute und konzentriert sich explizit auf Münder von Frauenfiguren im Moment der Angst. Das Ausgangsmaterial wird auf ein Close-up zugeschnitten und in kleinformatige, mit Duftwachs überzogene Malereien übersetzt. Auf den ersten Blick thematisiert die Serie lediglich den vielbesprochenen Male Gaze, also den Blick, die Frauenfiguren emotional überzeichnen oder im Moment der Angst sexualisieren. Mit dem Einsatz des Duftwachses, der sich über das Bild legt, erhält die Arbeit aber einen häuslichen, alltäglichen Kontext und macht deutlich, dass Female-Body-Horror weder Ausnahmezustand noch Fiktion ist, sondern die Realität vieler Frauen. Die Reduktion der Figur auf den Mundbereich und das Ausklammern der Angst erlauben gleichzeitig eine Umdeutung der Mimik. Aus einem Schrei wird ein widerständiges Fletschen der Zähne im Sinne der Verteidigung und des kollektiven Widerstandes. (MD)

⁎

Xiaoyi Zhang, *2000 in Yunnan (CHN); lebt und studiert in Kiel (DE). Sie studiert derzeit Malerei an der Muthesius Kunsthochschule in Kiel. Ihre künstlerische Praxis basiert auf Malerei und Materialexperimenten, mit einem Fokus auf die Transformation von Medien und die Erweiterung visueller Ausdrucksformen.